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Les Films des Walt Disney Animation Studios Walt Disney

Walt Disney Animation Studios est un studio de cinéma d’animation basé à Burbank, aux États-Unis6, qui produit des longs métrages, des courts métrages et des émissions de télévision spéciales pour The Walt Disney Company. Fondée le 16 octobre 1923 par Walt Disney,1 est une division de The Walt Disney Studios. Il a réalisé 56 films, Blanche-Neige et les sept nains (1937) a été le premier et Moana : une mer d’aventure (2016) le plus récent.

Les Studios Disney D’animation

Créé à l’origine sous le nom de Disney Brothers Cartoon Studio en 1923 et constitué en société sous le nom de Walt Disney Productions en 1929, le studio était à l’origine exclusivement dédié à la production de courts métrages. En 1983, Walt Disney Productions a nommé son studio de cinéma d’images réelles Walt Disney Pictures. Cependant, au cours d’une restructuration corporative trois ans plus tard, Walt Disney Productions a été rebaptisée The Walt Disney Company et sa division d’animation, rebaptisée Walt Disney Feature Animation, est devenue une filiale de sa division cinématographique, The Walt Disney Studios. En 2006, Walt Disney Feature Animation a pris son nom actuel, Walt Disney Animation Studios, suite à l’acquisition de Pixar Animation Studios la même année.

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Pendant longtemps, il a été reconnu comme le premier studio d’animation aux États-Unis8 ; il a développé diverses techniques, concepts et principes qui sont devenus des normes pour l’animation traditionnelle. Il a également été le pionnier de l’art du storyboard, qui est maintenant largement utilisé dans la production de films d’animation et d’images réelles. Sa liste de longs métrages est l’un des atouts les plus remarquables de Disney et les stars de ses courts métrages – Mickey Mouse, Donald Duck, Goofy et Pluto entre autres – sont devenus des figures reconnues de la culture populaire et des animaux de compagnie de The Walt Disney Company.

Aujourd’hui, le studio est dirigé par Edwin Catmull et John Lasseter (qui dirigent également Pixar) et continue à produire des films, utilisant à la fois les techniques traditionnelles et l’animation numérique.

Années 1920 : commence sous le nom de Disney Brothers Cartoon Studio.

Les frères Walt et Roy O. Disney, originaires de Kansas City, Missouri, ont fondé le Disney Brothers Cartoon Studio à Los Angeles le 16 octobre 1923. Leur première production a été une série intitulée Alice Comedies, des courts métrages mettant en vedette une jeune actrice (dans la vie réelle) dans un monde animé. La série a été distribuée par Margaret J. Winkler Pictures, qui a également distribué une deuxième série de courts métrages d’animation, Oswald the Lucky Rabbit, par Universal Pictures en 1927.1112 Initialement, après leur déménagement en Californie, les frères Disney ont commencé à travailler dans le garage de leur oncle Robert Disney au 4406 Kingswell Avenue dans le quartier Los Feliz de Los Angeles. Plus tard, en octobre 1923, ils fondent leur studio à l’arrière d’une agence immobilière au 4651 de la même avenue. En février de l’année suivante, le studio s’installe dans le bâtiment adjacent avec son propre bureau. En 1925, Disney a donné à l’entrepôt un nouvel emplacement au 2719 Hyperion Avenue, qui serait connu sous le nom de Hyperion Studio pour le distinguer de l’autre emplacement, dans le quartier voisin de Silver Lake. Finalement, en janvier 1926, le studio déménage dans ses nouveaux locaux et prend le nom de Walt Disney Studio1314.

Pendant ce temps, après la première année d’Oswald, Walt Disney a cherché à renouveler le contrat avec Winkler Pictures, mais Charles Mintz, qui a repris l’entreprise de Margaret Winkler après l’avoir épousée, voulait forcer Disney à accepter un acompte moins élevé pour chaque court métrage. Bien que Disney ait refusé, Universal possédait les droits, alors Minzt a mis sur pied son propre studio d’animation pour produire les courts métrages d’Oswald. Et après la fin du contrat au milieu de 1928, la grande majorité du personnel de Disney a été embauché par Minzt15.

Travaillant en secret pendant que le reste du personnel terminait les shorts Oswald restants, Disney et son animateur principal, Ub Iwerks, dirigeait un petit groupe d’ouvriers loyaux et produisait de nouveaux dessins animés avec une nouvelle étoile nommée Mickey Mouse. Les deux premiers courts métrages, Plane Crazy et The Gallopin’ Gaucho, avaient des avant-premières limitées pendant l’été 1928. Cependant, pour le troisième court métrage, Disney a produit une bande sonore (en collaboration avec le musicien Carl Stalling et l’homme d’affaires Pat Powers, qui a fourni le système Cinephone). Ainsi, Steamboat Willie est devenu le premier court-métrage de Disney avec son synchronisé. La série sonore Mickey Mouse, distribuée par Powers par le biais de Celebrity Productions, est rapidement devenue la plus populaire aux États-Unis.  L’année suivante, le 7 septembre, une deuxième série sonore de dessins animés, Silly Symphonies, est sortie avec le premier court métrage The Skeleton Dance.

Les années 1930 : Symphonies idiotes et Blanche-Neige et les sept nains.

Le 16 décembre 1929, le studio a été constitué en société sous le nom de Walt Disney Productions. En outre, un nouveau contrat de distribution a été signé avec Columbia Pictures. En réponse, Iwerks a démissionné et a commencé à produire ses propres dessins animés. Columbia a distribué les courts métrages de Disney pendant deux ans, après quoi le studio a signé un nouvel accord avec United Artists en 1932. Cette même année, Disney et Technicolor ont conclu un accord exclusif de deux ans pour l’utilisation de leur nouveau procédé à trois bandes, qui permet la reproduction en couleur. Le résultat fut Flowers and Trees (1932), le premier court-métrage à être produit commercialement en utilisant cette technique et a reçu le prix Oscar du meilleur court-métrage d’animation. L’Academy of Motion Picture Arts and Sciences a également récompensé Disney pour la création de Mickey Mouse. Après son succès, les courts métrages Silly Symphony et Mickey Mouse ont été produits de la même manière.

Au début des années 1930, Walt Disney a compris que les histoires à succès dépendaient de personnages ayant des personnalités humaines. Il a cherché à transformer l’animation, de ses origines brutes, en une représentation des  » histoires et des sentiments humains « . Cela l’a amené à créer un  » département de scénario « , composé d’artistes de scénarimages dédiés à l’élaboration de scénarios. Avec des personnages bien développés et des histoires intéressantes, Three Little Pigs (1933) est devenu un succès dans la collecte de fonds et la culture populaire2525293032, tout comme sa chanson Who’s Afraid of the Big Bad Wolf.

En 1934, Walt réunit de nombreux membres clés du personnel et annonça son intention de produire le premier long métrage d’animation du studio. Malgré les moqueries de l’industrie, Disney a continué à produire Snow White and the Seven Dwarfs (1937), qui s’appelait « Disney’s Folly ». C’est devenu le premier long métrage d’animation en anglais et en technicolor. Les processus de formation et de développement ont été inclus dans la production ; des animateurs établis, des artistes d’autres domaines et de récents diplômés universitaires se sont joints au studio pour travailler sur le film. Les cours de formation, supervisés par des animateurs chevronnés comme Les Clark, Norm Ferguson et Art Babbitt et enseignés par Donald W. Graham, professeur à l’Institut d’art Chouinard, ont commencé en 1932 et ont été étendus à des cours d’orientation et de formation continue.

Graham et les animateurs ont créé ou formalisé diverses techniques et processus qui sont devenus des principes clés de l’animation traditionnelle. La déesse du printemps (1934) et The Old Mill (1937) ont aidé à expérimenter de nouvelles techniques telles que l’animation de figures humaines réalistes, les effets spéciaux et l’utilisation de la caméra multiplan34 (une invention qui divise le travail artistique de l’animation en plans, permettant à la caméra de se déplacer dimensionnelle-ment à travers les scènes animées).

Snow White and the Seven Dwarfs, qui a coûté 1,4 million de dollars (dont 100 000 dollars utilisés pour le seul développement de l’histoire), a connu un succès sans précédent après sa sortie en février 1938 (par RKO Radio Pictures, qui a repris la distribution des productions de Disney après la fin du contrat avec United Artits en 1937). Pendant une courte période, c’était le film avec les recettes les plus élevées de l’histoire ; un jalon dépassé par Autant en emporte le vent deux ans plus tard, qui avait une recette de huit millions de dollars à sa sortie (l’équivalent de 134 033 100 dollars en 1999).

Pendant la production du film, le travail s’est poursuivi sur les séries de courts métrages Mickey Mouse et Silly Symphonies. En 1935, Mickey Mouse est passé à la technicolor ; à ce moment-là, d’autres personnages avaient été ajoutés, comme le chien de Mickey, Pluto, et ses amis Donald Duck et Goofy. Tous les trois ont joué dans leur propre série en 1940. Même en termes de popularité, la série de Donald Duck a éclipsé celle de Mickey Mouse. Les sept fois oscarisées Silly Symphonies, pour leur part, ont pris fin en 1939.

1940 : Nouveaux films, grève et Seconde Guerre mondiale.

Grâce au succès de Snow White, Disney a pu construire un nouveau bâtiment, un studio plus grand sur Buena Vista Street à Burbank (aujourd’hui The Walt Disney Company). Le 2 avril 1940, Walt Disney Productions fait son premier appel public à l’épargne, avec Walt Disney comme président et Roy Disney comme directeur exécutif. C’est à ce moment-là que le studio a commencé à produire de nouveaux longs métrages d’animation, dont le premier, Pinocchio, sorti en février 1940. Bien que le film n’ait pas été un succès de collecte de fonds, (les revenus ont été inférieurs à ceux de Blanche-Neige et aux attentes du studio. Au coût de 2,289 milliards de dollars, Disney a récupéré 1 million de dollars à la fin de 1940. Les rapports finaux de l’étude ont estimé entre 1,4 et 1,9 millions d’euros collectés) si elle faisait partie des critiques. Il a également reçu l’Oscar de la meilleure chanson originale et de la meilleure bande sonore.

En novembre de la même année, sort Fantasia, un film expérimental avec son propre accompagnement orchestral, réalisé par Leopold Stokowski. Sa production a coûté 2 millions de dollars et, bien qu’il ait recueilli 1,4 million de dollars lors de sa tournée de projection, le coût élevé (85 000 $ par salle) de l’installation de Fantasound a causé plus de pertes que Pinocchio. En 1941, RKO reprend le travail de distribution (au fil des années, le film sera réédité en plusieurs versions éditées). Malgré son échec financier, Fantasia a reçu deux Oscars d’honneur le 26 février 1942 (un pour le développement du système innovant Fantasound pour la création de la bande sonore stéréoscopique du film et un pour la contribution de Stokowski au film).

Une grande partie de l’animation des personnages de ces productions et de toutes les autres productions jusqu’à la fin des années 1970 a été supervisée par un groupe d’experts, baptisé Walt Disney the Nine Old Men, composé des animateurs Frank Thomas, Ollie Johnston, Woolie Reitherman, Les Clark, Ward Kimball, Eric Larson, John Lounsbery, Milt Kahl et Marc Fraser Davis. Bon nombre d’entre eux ont également été réalisateurs et producteurs de certaines productions. Le développement du département long métrage d’animation a créé un système de classes dans le studio Disney : les jeunes animateurs ont été affectés aux courts métrages, tandis que les animateurs principaux, tels que les « Nine Old Men », ont travaillé sur les longs métrages. Cependant, des inquiétudes ont été soulevées au sujet du fait que Walt Disney s’attribue le mérite du travail des artistes, ainsi que des débats sur la rémunération, ce qui a amené de nombreux animateurs à chercher à syndiquer l’atelier.

En mai 1941, une grève ouvrière éclate, qui est résolue entre juillet et août de cette année-là sans qu’un Walt Disney furieux soit impliqué. Alors que Walt Disney Productions a établi l’affiliation syndicale obligatoire, Disney et d’autres employés de studio ont été envoyés par le gouvernement américain pour un voyage en Amérique centrale et en Amérique du Sud dans le cadre de la politique de bon voisinage. La grève et ses résultats ont conduit à l’exode des cheerleaders, des meilleurs professionnels comme Art Babbitt et Bill Tytla aux artistes les plus connus pour leur travail à l’extérieur du studio, comme Frank Tashlin, Maurice Noble, Walt Kelly, Bill Melendez et John Hubley. Ce dernier, comme beaucoup d’autres grévistes, est membre fondateur du studio United Productions of America, principal rival de Disney dans les années 1950.

Le Film Dumbo des Studios Disney

En octobre 1941, Dumbo a été libéré, qui était en production pendant la grève et a été un succès commercial. Il a coûté 950 000 $ et a permis de recueillir 1,6 million de dollars dans sa version originale. En août de l’année suivante, le film suivant du studio, Bambi, arrive. Cependant, comme pour Fantasia, Disney a subi des pertes. Sur les 1,7 million, il ne se souvenait que de 1,64 million. Compte tenu des pertes subies et des problèmes économiques causés par la Seconde Guerre mondiale, les financiers de la Banque d’Amérique ont établi que, pour faire le prêt d’un fonds de roulement, le studio devrait être temporairement limité à la production de courts métrages. Pour cette raison, après la sortie de Bambi, la production de longs métrages a été temporairement suspendue. Les productions en cours, Peter Pan, Alice au pays des merveilles et Lady and the Tramp ont été mises en attente jusqu’à la fin de la guerre. De même, l’étude a été affectée par la perte d’animateurs, envoyés pour combattre dans la guerre, et par la nécessité de produire des contenus pour l’armée, notamment en ce qui concerne la formation militaire et la propagande civile. Entre 1942 et 1943, 95 % de la production d’animation était de nature militaire. Pendant la guerre, Disney a produit des films d’animation et de propagande en images réelles, comme Victory Through Air Power (1943) et une série de courts métrages sur la culture latino-américaine résultant du voyage de 1941, compilés dans deux films : Saludos Amigos (1942) et The Three Knights (1944).

Ces deux films ont jeté les bases d’autres « films d’emballage », c’est-à-dire des films à petit budget composés de courts métrages d’animation et de segments intermédiaires d’animation ou d’image réelle (Master Music (1946), Fun and Fancy Free (1947), Melody Time (1948) et The Legend of Sleepy Hollow et M. Toad (1949). Le studio a également produit deux longs métrages : Song of the South (1946) et So Dear to My Heart (1948), avec des histoires plus chères, y compris des séquences animées et des séquences qui combinent image réelle et personnages animés. De même, la production de courts métrages s’est poursuivie durant cette période. Les courts métrages de Donald Duck, Goofy et Pluto ont été la production principale, accompagnés des courts métrages de Mickey Mouse, Figaro et, dans les années 1950, de Chip’n Dale et du Humphrey Bear. En 1944, le studio a réédité Blanche-Neige et les sept nains, Pinocchio en 1945 et Fantasia en 1946. Ainsi, Disney a établi une tradition de réédition de ses films tous les sept ans (une tradition remplacée dans les années 1990 par le lancement de formats domestiques).

1950 : Retour des films, fin des courts métrages.

En 1948, Disney revient à la production de longs métrages avec Cendrillon, un film basé sur un conte de Charles Perrault. En raison de son coût de trois millions de dollars, l’avenir du studio dépendait du succès du film. Après sa création en 1950, Cendrillon a été un succès dans la collecte de fonds, ce qui a permis à Disney de continuer la production d’autres longs métrages tout au long de la décennie. Ainsi, le travail d’Alice au pays des merveilles, Peter Pan et Lady and the Tramp a été repris. En outre, un nouveau projet a été initié, une adaptation de l’histoire « La Belle au bois dormant », avec les compositions originales de Tchaïkovski.

Alice au pays des merveilles, sorti en 1951, n’a pas été très bien accueilli par la critique et a été une grande déception pour les critiques. Deux ans plus tard, Peter Pan s’est rendu au théâtre. Cette fois, le film a été un succès commercial et est devenu le film avec les recettes les plus élevées de l’année. En 1955, Lady and the Tramp a surpassé le reste des films de Disney de Blanche-Neige et les sept nains en recettes, amassant environ 7,5 millions de dollars aux États-Unis. D’autre part, c’était le premier film d’animation grand écran de Disney, produit par le processus CinemaScope ; c’était aussi le premier film du studio distribué par sa propre société de distribution, Buena Vista Distribution.

Au milieu de la décennie, l’attention de Walt Disney s’est concentrée sur de nouveaux projets tels que des films d’images réelles, la télévision et le parc d’attractions Disneyland. La production des films d’animation est tombée entre les mains des Neuf Vieux. Cela a entraîné plusieurs retards dans la production de Sleeping Beauty, qui est finalement sorti en 1959. A six millions, c’était le film le plus cher en studio à l’époque ; il a été produit dans un style très élégant conçu par l’artiste Eyvind Earle et a été présenté en format Super Technirama 70 avec un son stéréo sur six pistes. Cependant, son coût de production élevé et ses faibles revenus ont causé la première perte annuelle pour le studio en dix ans (pour l’année fiscale 1960). Ces problèmes économiques ont entraîné des mises à pied massives.

À la fin des années 1950, Disney a cessé de produire régulièrement des courts métrages ; de nombreuses personnes affectées aux divisions du court métrage ont quitté le studio ou ont été réaffectées à des émissions de télévision comme The Mickey Mouse Club et Disneyland. À ce moment-là, le règne des courts métrages de Disney aux Oscars était terminé ; les courts métrages de Metro-Goldwyn-Mayer (Tom et Jerry), les Warner Bros. (Looney Tunes et Merrie Melodies) et United Productions of America ont été considérés, pour leur style artistique et leurs techniques d’animation, comme des alternatives modernes au style Disney à l’ancienne. A cette époque, un seul court métrage Disney a remporté l’Oscar (Toot, Whistle, Plunk et Boom).

De même, en 1953, il termine la production régulière des courts métrages de Mickey Mouse, Pluto et Goofy. Les productions de Donald Duck et Humphrey se sont poursuivies (en utilisant le procédé CinemaScope) jusqu’en 1956. Depuis, les courts métrages de Disney n’ont été produits que sporadiquement, notamment It’s Tough to Be a Bird (1969), Runaway Brain (1995, avec Mickey Mouse) et Paperman (2012).

Administration des studios Disney

De 1985 jusqu’à sa démission en novembre 2003, Roy E. Roy E. Disney était à la tête de Walt Disney Feature Animation, qui a exercé une influence majeure au sein de la division. Cependant, la plupart des décisions ont été prises par le président de WDFA, qui dépendait officiellement de Disney, bien qu’en pratique, il dépendait également du président de Disney Studios, ainsi que de son PDG, Michael Eisner. De 1985 à 1999, le président de WDFA était Peter Schneider.

Depuis 2007, Ed Catmull est président des studios d’animation Disney-Pixar et John Lasseter en tant que directeur créatif des studios. Catmull est un junior de Bob Iger, PDG de Walt Disney Company ainsi que Rich Ross. Lasseter, qui a carte blanche dans son rôle, relève directement du PDG de Disney, Bob Iger et du vice-président honoraire Roy E. Disney.

Andrew Millstein a été nommé PDG de Walt Disney Animation Studios. Dans ce nouveau rôle, Millstein est responsable de l’exploitation quotidienne des installations et des produits du studio.