Les films incontournables de 2018

2018 a été une année passionnante pour le sport, la culture et, oui, le cinéma. Et nous ne sommes qu’à peine dans la viande de l’année civile du film ! Alors que nous avons encore beaucoup de nouvelles opportunités qui s’étendent à la salle de cinéma pour les quatre prochains mois, 2018 a déjà été une année formidable pour le cinéma, avec une gamme presque infinie de mondes celluloïd et numérique à traverser. 

C’est pour cette raison que nous avons rassemblé ce qui, à cette date précoce, ressemble aux films à voir obligatoirement de l’année 2018. Au fil des mois, nous mettrons à jour cette liste en conséquence, mais en attendant, voici les dates que vous voudrez peut-être noter sur le calendrier ! 

Paddington 2: 12 janvier

Paddington 2 est un chef-d’œuvre de bien-être, un baume cinématographique pour les préjugés de notre époque. Vibrant et aimable, il imagine un monde meilleur pour nous tous. C’est un film où la “superpuissance” du personnage principal n’est pas la capacité de voler ou de sauter d’un bâtiment en un seul bond, mais plutôt un sérieux et une empathie qui rend tout le monde autour de Paddington plus sérieux et empathique aussi.

Black Panther: 16 février

Black Panther est différent de presque tous les films de Marvel Cinematic Universe qui l’ont précédé. Le réalisateur/scénariste Ryan Coogler (Creed) et le co-scénariste Joe Robert Cole (American Crime Story) ont trouvé le bon endroit pour raconter une histoire qui est profondément afrocentrique et affirmativement politique dans ses thèmes et ses préoccupations, tout en l’habillant de certaines des pyrotechniques de superhéros Marvel et en y ajoutant un soupçon de thriller d’espionnage James Bond. En d’autres termes, ils ont fait un film qui parle à un segment de la population qui attend depuis longtemps un film grand public qui s’adresse directement à eux, mais en aucun cas Black Panther ne s’aliène quelqu’un d’autre – c’est toujours une aventure de bande dessinée pour tout le monde.

23 février

Alex Garland a fait un tome perspicace et parfois lourd pour son deuxième long métrage d’écriture et de mise en scène après le magistral Ex Machina. Comme ce film, et plusieurs des autres scénarios qu’il a écrits, le cinéaste emprunte un genre familier pour créer quelque chose de provocateur, contre-intuitif et plus riche que beaucoup de ses influences conceptuelles. Aussi plus ambitieux et plus épique que Machina, Annihilation met en scène une troupe de femmes curieuses et énigmatiques, dont une Natalie Portman tenace, piégée dans une boîte mystère encore plus imposante.

Sang Pur Sang: 9 mars

Beaucoup de choses ont été faites depuis la première de la Sundance de Thoroughbreds, l’an dernier, de ses similitudes avec Heathers et d’autres méchantes folies adolescentes. Pourtant, on a l’impression qu’il est sur la mauvaise voie. Plus artistique et sur la construction patiente d’un acte sanglant, par opposition à une satire de plusieurs, Thoroughbreds doit plus à l’ère des films de l’âge d’or qu’Amanda et Lily regardent toujours. Dans l’un des meilleurs moments du film, ils critiquent l’incapacité des starlettes de cinéma des années 1940 à pleurer sans se pincer la gorge, une “technique” utile à vie qu’une fille passe ensuite à l’autre. C’est encore plus joli quand on se rend compte que Thoroughbreds est un noir furtif où ses deux héroïnes sont la femme fatale.

Dans n’importe quel contexte, A Wrinkle in Time est un film pour enfants (et il est très engagé à être un film pour enfants) avec des visuels bizarres et merveilleux, tout à fait uniques par rapport à tout ce que nous avons vu dans les films familiaux auparavant. Dans ce contexte, cependant, A Wrinkle in Time est une déclaration mythologique du plus grand studio du monde, par l’intermédiaire de la réalisatrice de Selma Ava DuVernay, sur la façon dont nous avons tous de la valeur et méritons d’être aimés. Dans le film, ce message se joue dans le voyage vers l’acceptation de soi d’une adolescente maladroite nommée Meg Murry (Storm Reid), mais au niveau méta, il se joue dans tous les enfants et les adultes du monde entier qui voient des gens qui leur ressemblent dans l’un des plus grands films de l’année.

Avec amour, Simon: 16 mars

Avec amour, Simon est une comédie d’adolescent intelligente, drôle et infiniment charmante dans la veine de Mean Girls et Easy A. Fondamentalement sur l’amitié, le fait d’être soi-même et de vivre la vie que vous méritez, ce film rare, inspirant et “romantique AF” LGBTQ est à priser. Avec une bande-son moderne et une distribution diversifiée, Love, Simon est le genre de film que beaucoup de gens aimeraient voir grandir.

23 mars

Wes Anderson n’est pas étranger aux méfaits animés, alors la voix drôle derrière The Fantastic Mr. Fox revenant à la forme avec Isle of Dogs est vraiment la bienvenue. Si son dernier film n’est pas tout à fait à la hauteur du travail vocal de George Clooney ou du dernier film d’Anderson, The Grand Budapest Hotel, on ne peut nier l’immense charme que l’on trouve dans un monde de chiens parlants et de cultes de Samouraïs japonais qui ont juré d’être la ruine des chiens à fourrure.

Ready Player One: 30 mars

Ready Player One est à bien des égards le point culminant du paysage de la culture pop moderne et de ses champs de nostalgie riches en sol. Alors que les créateurs de médias continuent d’exploiter notre passé et notre enfance collective et générationnelle pour divertir les adultes dans le présent (et peut-être endoctriner leurs enfants), tout ce qui est ancien est à nouveau nouveau nouveau. C’est peut-être la raison pour laquelle il a fallu l’un des maestros les plus vénérés derrière ces pierres de touche culturelles pour réaliser non seulement le film Ready Player One, mais aussi pour le rendre si bien. Pour Steven Spielberg, l’adaptation du roman d’Ernest Cline est un véritable plaisir pour la foule, et un film qui apporte quelque chose à la table pour lequel tout le monde devrait être nostalgique : cette touche classique de Spielberg.

Sans un bruit: 6 avril

John Krasinski est peut-être un chat effrayé qui ne s’est jamais vraiment considéré comme un fan des films d’horreur, mais il a réalisé un film dont on se souvient ironiquement comme la déclaration la plus forte que nous vivons effectivement dans l’âge d’or des films d’horreur. De son ouverture silencieuse à l’éclat des acclamations qui mettront sans aucun doute fin à de nombreuses projections du film, Sans un bruit est un classique instantané qui supplie d’être vécu dans un théâtre rempli d’otages émotionnels. 

You Were Never Really Here

Basé sur un roman de Jonathan Ames, You Were Never Really Here est adapté et réalisé par Lynne Ramsay, cinéaste écossaise derrière Ratcatcher (1999), Morvern Callar (2002) et We Need to Talk About Kevin (2011), dont les films mêlent des scénarios d’une brutalité presque insupportable à des moments de grande beauté et de transcendance. You Were Never Never Really Here perpétue cette tradition avec l’histoire de Joe (Joaquin Phoenix), un ancien combattant du SSPT et agent du FBI qui travaille maintenant à l’extérieur de la loi pour retrouver et sauver des jeunes filles qui ont été enlevées par des réseaux de trafic sexuel.

27 avril

Les Russos ont amélioré leur jeu en tant que réalisateurs ici, abandonnant la plupart du temps le look de Captain America : Le soldat d’hiver et Captain America : La guerre civile pour la vraie grandeur et la grandeur. C’est un film de science-fiction à couper le souffle qui voyage autour de l’univers et de retour, et non seulement il capture l’immensité de cela, mais c’est peut-être aussi le film le plus beau et le plus coloré que Marvel a sorti à ce jour. Une partie de l’action est encore un peu difficile à suivre par moments, mais les frères prouvent qu’ils peuvent tourner une aventure interstellaire spectaculaire avec les meilleurs d’entre eux.

Désobéissance

Il y a un mot dans ma tête, tout au long du film et dans les jours suivants ; naturel. Je sentais que je regardais la vie, et non pas les acteurs qui la dépeignent. Les trois chefs de file excellent tous dans leurs performances, Rachel McAdams montrant vraiment ce qu’une grande performance devrait être. Subtile et timide, on sent la rivière se précipiter en elle car elle ne laisse jamais un regard ou une émotion trop embellie échapper à son visage….. La désobéissance à sa surface est un film sur deux femmes qui apprennent enfin à se libérer de ce qu’on attend d’elles en se retrouvant l’une l’autre. Mais au fond, il s’agit de trouver la vraie liberté et de l’utiliser pour enfin comprendre le vrai bonheur, même si cela signifie ne pas obtenir ce que l’on veut.

Deadpool 2: 18 mai

Bien que peut-être un peu long, Deadpool 2 ne reste pas vraiment trop longtemps. Il fait ce qu’une suite devrait faire : il élargit le monde de l’original, ajoute de nouveaux personnages au mix, et – aussi improbable que cela puisse paraître – développe le protagoniste d’une nouvelle manière intéressante. Il est clair que Leitch et sa compagnie travaillent avec plus d’argent, une plus grande variété de lieux, de meilleurs effets visuels et une étoile pour prouver que le premier film en cours de réalisation n’était pas un contrat unique. Étonnamment, nous n’avons pas entendu de fissures sur les suites qui craignent, peut-être parce que Reynolds, Leitch et les autres savent que ce n’est pas le cas.

Solo: 25 mai

Solo n’est pas un mauvais film, juste un film moyen et implacable qui n’a aucune raison d’exister si ce n’est en tant que machine à argent. Il obtient son protagoniste du point A au point B assez efficacement, mais il ne nous dit rien qu’il faut savoir que nous n’avons pas déjà glané lors de notre première rencontre avec Han dans une cantine il y a 40 ans. Cela n’ébranle pas la mythologie et n’offre aucun investissement émotionnel réel, mais en même temps, c’est drôle, assez rapide et parfois agréable. Mais si c’est le modèle pour les films Star Wars (et qui sait ce que le nostalgique et ensorcelé J.J. Abrams a en réserve pour l’épisode IX), nous pourrions être dans un couple mondain de décennies de récits.

Mise à niveau: 1er juin

Tel est le concept pulpeux et généralement amusant de Upgrade, un film de science-fiction de Leigh Whannell et Blumhouse Productions. Le film n’est pas aussi intelligent qu’il aurait pu l’être, ou semble même penser qu’il l’est, mais c’est tout de même un film en B agréable, jusqu’à son jeu douteux et sa science tout à fait peu convaincante. Ex Machina, ça ne l’est pas, mais cette tentative chez Paul Verhoeven-lite nous rappelle une époque où la science-fiction pouvait aussi être séduisante et miteuse dans sa prétention – faire gonfler l’oreiller dans le cercueil dans lequel nos seigneurs robots nous couchent.

Les performances: 8 juin

Les performances sont en grande partie comme vous vous y attendiez – en plus du charisme sans fin de Rihanna, la distribution empilée sert bien le matériel. Bullock et Blanchett portent facilement une grande partie du film, et Mindy Kaling a obtenu certains des meilleurs rires. Sa combinaison avec sa partenaire Helena Bonham Carter était une joie inattendue, HBC jouant plus ou moins l’homme droit, pour une fois, et avec un brogue irlandais occasionnel. Pendant ce temps, Hathaway était délicieuse comme leur marque, la vampirisant comme une version exagérée de la pire interprétation de sa personnalité publique. Elle a brillé dans un rôle qui a laissé son clown sur elle-même et son industrie, insinuant qu’elle sait comment elle s’en sort, et qu’elle est assez cool pour rouler des yeux.

Hérédité

Croyez le battage médiatique : Hérédité – qui a ébranlé les auditoires blasés plus tôt cette année au Sundance Film Festival – est un classique de l’horreur instantanée, une chronique terrifiante de la destruction d’une famille qui sert également de premier long métrage exceptionnel pour le scénariste/réalisateur Ari Aster. Comme d’autres cinéastes assurés qui travaillent dans le genre, Aster comprend que l’horreur fonctionne mieux comme métaphore, et que l’histoire et les personnages doivent fonctionner de façon autonome si les accessoires surnaturels sont retirés de l’intrigue.

15 juin

Dans un tel environnement de film de super-héros saturé, c’est de se demander si Incredibles 2 peut vraiment se démarquer…. et être aussi bon que la première tentative de Pixar. Heureusement, ces craintes sont rapidement apaisées par le retour charmant, ludique et même subversif de Bird dans la vie quotidienne de la famille Parr. C’est un slouch facile et parfois trop familier vers les super-héros rétro, mais à la différence des dernières suites fades de Pixar, et presque tout le genre des super-héros de nos jours, Incredibles 2 a quelque chose à dire. Ce qui est vraiment super, en effet.

Three Identical Strangers: 29 juin

Documentaire trompeur et passionnant, Three Identical Strangers est un film qui se joue d’autant mieux avec le moins que l’on en sait. Un fil “un fait est plus étrange que la fiction” à propos d’un beau gosse de 19 ans qui découvre qu’il a un jumeau identique dont il n’a jamais connu – ce qui à son tour mène à leur triplet qui voit leur histoire dans le journal et qui tend la main à trois étrangers identiques est le documentaire sur le sentiment de bien-être…. jusqu’à ce que ce ne soit pas le cas.

Avec une conspiration effrayante au cœur de leur séparation à la naissance, qui entraîne des conséquences parfois tragiques et parfois sincères au fil des décennies et de la perte d’intérêt des médias des années 1980, voici l’un des documents les plus surprenants et les plus captivants de cette année ou d’une autre.

Woman Walks Ahead

Avec une main de maître et une grande réserve d’ambition, la réalisatrice Susanna White monte une vision très élégante avec Woman, une vision dans laquelle elle et la star Jessica Chastain contribuent au sous-genre grandissant d’oaters déconstructionnistes. Dans la forme familière des “Cowboys and Indians”, ils évaluent avec acuité le rôle des femmes dans ce genre cinématographique bien usé, ainsi que la tragédie éternelle des relations amérindiennes dans l’histoire américaine. Alors que certains ont soutenu que Woman Walks Ahead est un film de sauveur blanc, la triste conscience du film est qu’il ne connaît que trop bien ses privilèges, et la douleur que de telles bonnes intentions peuvent encore infliger de 1890 à 2018.

Sorry to Bother You: 6 juillet

Comme l’un des meilleurs débuts de long métrage que j’ai vu au cours de la dernière demi-décennie, Sorry to Bother You sort du portail entièrement formé et guidé par la perspective d’un auteur en plein essor….. Cette corde esthétique est apparente dès la toute première scène dans laquelle Lakeith Stanfield est assis dans un bureau prêt à charmer son chemin vers un emploi de télémarketing. Avec un employé du mois dans une main et un trophée du lycée dans l’autre, son désespoir pour le concert n’est pas subtil, pas plus que la révélation que les deux “qualifications” sont forgées. Heureusement, l’employeur blanc qui mène l’entretien considère une telle flexibilité avec la vérité comme des conditions parfaites pour une carrière dans la vente.

27 juillet

Disparaissant dans la distance d’un plan large stationnaire, un souffle cardio profond à la fois, le moment n’est pas sur-vendu comme un gag ou une partie d’un spectacle CG élaboré ; c’est juste un peu humoristique et quixotically héroïque. C’est un brin d’amusement intelligent, et la candeur avec laquelle il est présenté souligne que dans ses dernières années, la Mission : L’impossibilité d’une franchise est devenue un refuge pour la réalisation de superproductions intelligentes et intelligentes, tant pendant les cascades éblouissantes que dans les moments intermédiaires. À l’écoute des dialogues saillants et de la caractérisation aiguë, le ” temps d’arrêt ” de Fallout peut être aussi aigu que lorsque Cruise tombe d’un avion dans une scène, ou du flanc d’une montagne dans une autre. Aux deux extrémités du spectre, il est implicite qu’il s’agit d’un film réalisé par des gens incroyablement avisés qui savent exactement où placer la caméra, que ce soit pour certaines des meilleures cascades de la décennie, ou simplement une image de Cruise Cantering away.

La Miseducation de Cameron Post: 3 août

La Miseducation du succès de Cameron Post vient du fait qu’il peut être minimaliste et pourtant sophistiqué en offrant un rendu dramatique de ce type spécial d’enfer. Adapté d’un roman d’Emily M. Danforth du même nom, il emprunte un parcours de 90 minutes plus étroit et plus pointu que la source longue. Contrairement aux films plus anciens sur des sujets similaires des décennies précédentes, qu’il s’agisse de satires de conversion gay comme But I’m a Cheerleader (1999) ou d’autres pièces mélodramatiques sur les creusets évangéliques des adolescents, comme Saved ! (2004), il n’y a aucun désir de cajoler ou de se moquer doucement des préjugés naïfs des oppresseurs pieux. Alors que ce film dépeint le révérend Rick de Gallagher comme un agréable imbécile qui est condamné à se rendre malheureux – Ehle, par contraste, joue une incarnation du Diable au contenu de soi-même – le film n’est pas intéressé à mettre de l’empathie envers l’erreur ou à persuader un auditoire protégé et sceptique.

BlacKkKlansman: 10 août

Au mieux, le nouveau joint de Spike embrasse cette conversation continue entre l’art et la culture, la race et la propagande, pour parler de la malignité persistante dans la vie américaine qui s’est manifestée depuis les franges de David Duke jusqu’au courant dominant de Donald Trump. En tant que tel, son film est en colère, disparate, et pour la première fois depuis des lustres pour le cinéaste, indifférent à faire en sorte que ses émotions conflictuelles se figent. Il veut capturer le large éventail d’expériences humaines, de la comédie au drame, de la joie à la tragédie, que Lee ressent dans l’Amérique de Trump… tout en retraçant sa lignée laide jusqu’à une époque où même le personnage noir principal du film se moque de l’idée qu’un David Duke devienne un jour président. Lee utilise sa vision artistique du passé pour dénoncer le genre d’art qui a tant enhardi le Klan et ses semblables depuis cent ans.

7 septembre

L’univers de James Wan Conjuring s’élargit encore une fois, cette fois avec un film entier autour de la nonne spectrale aperçue dans The Conjuring 2. Pièce d’époque se déroulant en 1952, le film est réalisé par Corin Hardy, qui a fait ses débuts en 2015 avec l’étrange et sombre The Hallow.

Les autres retombées de Conjuring – à savoir les deux films d’Annabelle – ont varié en qualité, donc il reste à voir si Wan et son écurie de cinéastes peuvent transformer ceci en un authentique univers partagé (celui qui est encore assis dans les bureaux de Dark Universe doit cependant ressentir des douleurs de jalousie). Quand il s’agit d’horreur, nous ne comptons jamais Wan dehors (même s’il travaille lui-même sur Aquaman), donc nous espérons pouvoir donner notre bénédiction à la Nonne cet automne. 

14 septembre

Quand Shane Black est apparu dans un petit rôle dans le Predator original il y a 30 ans, le réalisateur d’Iron Man 3 ne savait pas qu’on lui demanderait un jour de redémarrer toute la franchise du film. Eh bien, ce moment est arrivé, mais tout ce que nous savons sur The Predator, c’est qu’il a lieu entre Predator 2 et les Predators sous-estimés, et qu’il met en vedette Boyd Holbrook (Logan), Jacob Tremblay, Olivia Munn, Sterling K. Brown, Keegan-Michael Key et Thomas Jane.

De ce réalisateur, attendez-vous à beaucoup d’humour bizarre et de liens masculins, en plus d’une violence écrasante et de beaucoup d’action de Predator. On parie sur Black avec celui-là.

21 septembre

Qu’est-ce que vous obtenez quand vous avez Jacques Audiard de A Prophet direct et co-écrit un dirt-beneathh-your-fingernails Western ? A voir absolument. Mais qu’en est-il de vous en tant que bandits familiaux avec un nom de famille trompeusement doux comme Jake Gyellenhaal, Joaquin Phoenix et John C. Reilly, aux côtés de Riz Ahmed comme leur marque de fabrique ? Un prétendant à l’un des meilleurs films de l’année si tout se déroule comme prévu…..

Tenir l’obscurité: 28 septembre

En parlant de Netflix et de plumes coiffées, le réalisateur Jeremy Saulner fait aussi son prochain long métrage avec le géant du streaming. Saulner est bien connu dans les cercles de genre pour avoir barré Blue Ruin et Green Room, et son dernier film promet de pousser autant de boutons.

 

Hold the Dark redessine la tension familière d’un tic-tac d’enfants disparus tout en ajoutant un ajout brutal : la nature sauvage. L’histoire d’un pisteur de loup (Alexander Skarsgard) à la recherche d’un jeune enfant disparu dans les régions les plus reculées de l’Alaska, nous sommes intrigués de voir le service de streaming continuer à construire sa division cinéma.

5 octobre

En général, nous pensons que les films d’histoire d’origine basés sur des méchants est une mauvaise idée – la plupart des méchants sont efficaces non pas en tant que personnage central mais en tant qu’agent du chaos en jetant des pierres sur le protagoniste de l’histoire. On ne peut pas dire que le film Venom nous a fait changer notre air, d’autant plus qu’il est basé sur l’un des moins empathiques de Spider-Man et c’est le même “brain trust” (producteurs Avi Arad et Matt Tolmach) qui a tenté et échoué à lancer un “Spider-verse” avec les deux films d’Amazing Spider-Man.

Mais Venom a une distribution formidable qui comprend Tom Hardy – qui rend presque tout meilleur – Michelle Williams, Riz Ahmed et Jenny Slate, et nous ne pouvons pas nous empêcher d’être intrigués en voyant Hardy dans le rôle ultime de Jekyll-and-Hyde.

Il s’agit de la quatrième version de cette vénérable histoire – des films de 1937, 1954 et 1976 – mais celui-ci a eu un chemin particulièrement long et torturé jusqu’à l’écran. En 2011, il a été annoncé que Clint Eastwood allait réaliser Beyonce dans le film, mais cela a fini par se transformer en Lady Gaga, jouant le rôle central de la star montante Ally aux côtés de Bradley Cooper, qui fait maintenant ses débuts de réalisateur sur le film.

Le reste de la distribution comprend Sam Elliott, Andrew Dice Clay et Dave Chappelle. Lady Gaga (qui est facturée sous son vrai nom, Stefani Germanotta) peut-elle prouver qu’elle est une véritable actrice ? Bradley Cooper peut-il montrer qu’il a ce qu’il faut pour devenir réalisateur ? Le titre du film peut être plus significatif qu’on ne le pense.

Drew Goddard est à la pointe de l’écriture et de la réalisation depuis un certain temps grâce à des films et des émissions comme The Cabin in the Woods, Cloverfield, The Martian et Daredevil, alors nous sommes toujours intéressés de voir ce qu’il a dans sa manche. Avant de plonger dans X-Force, il écrit et réalise ce film qui se déroule dans les années 1960 dans un hôtel délabré de la région du lac Tahoe.

Nous ne savons pas grand-chose de l’intrigue, mais le film met en vedette Chris Hemsworth et Jeff Bridges en tant que deux personnages dont les “agendas ombragés se heurteront violemment”. La combinaison de ces deux étoiles, de ce morceau d’histoire et de Goddard augmente aussi notre curiosité. 

12 octobre

Le réalisateur oscarisé Damien Chazelle laisse derrière lui la musique de Whiplash et La Land pour raconter l’histoire de Neil Armstrong, le premier être humain à marcher sur la Lune. Chazelle a refait équipe avec Ryan Gosling, l’étoile de La Land pour le film, qui se déroulera sur une période de huit ans et racontera les efforts de la NASA pour écrire l’histoire, ainsi que le rôle d’Armstrong à cet égard.

Le style de mise en scène cinétique de Chazelle, combiné à la force tranquille de Gosling, est de bon augure pour ce qui pourrait être la prochaine épopée américaine sur l’espace.

Sérénité: 19 octobre

Bien que le titre soit peut-être un peu mal jugé, du moins dans les cercles de médias sociaux en ligne, nous sommes toujours prêts pour le néo noir, et Serenity semble être une délicieuse tranche de nihilisme cuite au soleil. De Steven Knight, scénariste de Eastern Promises et scénariste-réalisateur de Locke, vient ce qui a donné naissance à une histoire particulièrement tordue. Comment ne pas l’être, après l’ouverture sur une bombe blonde fatale qui entre dans un bar pour arracher la chaîne de sa vieille flamme ? Elle a une requête simple : emmener son mari violent sur son bateau et le laisser pour les requins. Pourtant, les regards peuvent être trompeurs, surtout dans un film qui s’inspire généreusement de films comme Double Indemnité, Body Heat, et même To Have and Have Not.

De plus, il présente une réunion Interstellaire de Matthew McConaughey et Anne Hathaway, bien que leurs préoccupations soient maintenant beaucoup plus l’affaire de la terre (et le sang qui se répand ici).

La troisième fois, c’est la bonne, n’est-ce pas ? En effet, Halloween vers 2018 marquera la troisième fois que quelqu’un a tenté de redémarrer – doucement ou fortement – le classique de John Carpenter d’il y a 30 ans. En 1998, nous avons eu H20 : 20 ans plus tard, qui, comme le titre le suggère, a suivi les hijinks de Michael Myers à la poursuite de sa petite sœur Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) dans une suite qui ignorait tout ce qui se trouvait entre elle et le classique 78. Peu de temps après, il y a eu un remake en 2007, réalisé par Rob Zombie.

Aujourd’hui, en 2018, nous avons un autre film qui ignore le remake de Zombie et apparemment H20 et tout le reste, Jamie Lee Curtis étant à nouveau terrorisé par l’homme dans le masque Bill Shatner. Alors pourquoi sommes-nous optimistes ? Surtout parce que David Gordon Green (The Pineapple Express, Snow Angels) réalise à partir d’un scénario qu’il a co-écrit avec Danny McBride. Et puis merde, qu’ils s’en prennent encore un coup de poignard !

2 novembre

Remanier un classique comme Suspiria de Dario Argento serait normalement un sacrilège. Et c’est peut-être le cas ? Pourtant, nous sommes prêts à donner une chance à Luca Guadagnino. Le cinéaste qui a réalisé le délicieux A Big Splash et le déchirant Call Me by Your Name commence à se faire bizarre avec ce qui semble être une réimagination artistique et véritablement créative de l’histoire d’Argento dans une compagnie désormais infernale de danseurs de renommée mondiale. Le film met également en vedette Dakota Johnson, Tilda Swinton et Chloe Grace Moretz.

Boy Erased

Un autre film pour garder un oeil sur cela, comme The Miseducation of Cameron Post avant qu’il ne tourne un oeil sur les horreurs de la thérapie de conversion gay est Boy Erased. Deuxième film de Joel Edgerton en tant que réalisateur et coscénariste, Boy Erased a un œil sur le circuit des prix avec une première au Festival international du film de Toronto et une distribution de vedettes qui comprend Lucas Hedges, Nicole Kidman, Russell Crowe et Edgerton lui-même.

Freddie Mercury avait une voix une fois par génération qui électrifiait le monde. L’homme de devant et la puissance vocale derrière Queen, le registre aigu de Mercure résonne encore dans la culture pop, rendant tout film tentant d’explorer sa vie immédiatement intéressant.

Le départ soudain de Bryan Singer du film, ainsi que la façon dont la star de M. Robot, Rami Malek, atteint la note aiguë, font que celui-ci doit être surveillé.

16 novembre

La saga des préquels Harry Potter se poursuit avec cette suite de Fantastic Beasts. Lorsque son prédécesseur est tombé en 2016, le scénariste et géant littéraire J.K. Rowling avait l’impression qu’elle était sincèrement aux prises avec la peur d’un nationalisme et d’un fascisme rampant de droite et du fascisme. Depuis la sortie de ce film, le monde a rattrapé (ou s’est replié ?) les terreurs du début du XXe siècle de Rowling. Ce qui rend le film sur Grindelwald (Johnny Depp), la doublure claire de Rowling pour Adolf Hitler, d’autant plus inquiétant.

Le film présentera également le retour de fans comme Eddie Redmayne dans Newt Scamander, Dan Folger dans Jacob Kowalski, Alison Sudol dans Queenie et Katherine Waterston dans le rôle de Tina. De plus, Jude Law fait ses grands débuts en tant que jeune Dumbledore. Il devrait donc y avoir beaucoup de magie de la variété fantastique aussi.

Le réalisateur Steve McQueen n’a pas fait un long métrage complet depuis qu’il a remporté le prix du meilleur film, 12 ans d’esclavage. Mais l’auteur de Shame revient enfin au cinéma avec un film du scénariste Gillian Flynn (Gone Girl) qui semble vouloir continuer la fascination de McQueen pour le lyrisme cinématographique de la douleur.

Déjà projeté dans l’ombre du deuil, le film se concentre sur quatre veuves éponymes (Viola Davis, Carrie Coon, Michelle Rodriguez et Elizabeth Debicki) qui s’occupent de la mort de leurs maris voleurs après qu’ils ont été tués au travail. Mais au lieu de planifier seulement des funérailles, ces femmes ont l’intention d’écrire un avenir meilleur en terminant le casse. C’est ce qu’on appellerait une veillée d’enfer.

Le favori: 23 novembre

Bien qu’il s’agisse techniquement d’un film biographique d’époque, nous imaginons que cela ne définit que le dernier film en langue anglaise de Yorgos Lanthimos dans le sens le plus large. Après avoir dirigé des vedettes comme The Lobster et The Killing of a Sacred Deer, le voyage de Lanthimos en Angleterre au XVIIIe siècle ne sera probablement pas un film de formalités. Centré sur la cour de la reine Anne (Olivia Colman) et la façon dont elle est bouleversée par l’introduction d’un nouveau serviteur joué par Emma Stone – une femme qui séduit le plus la sœur d’Anne, Sarah Churchill (Rachel Weisz) – nous imaginons que The Favourite est tout aussi ludique et surprenant que sa bande-annonce déjà vaguement démente.

21 décembre

James Cameron a eu le manga Battle Angel Alita de Yukito Kishiro en développement comme film depuis 2000, avec Cameron lui-même gung-ho pour réaliser pendant un certain temps. Il a abandonné cette idée il y a longtemps alors qu’Avatar a pris le contrôle de sa vie, mais s’en est tenu résolument à la propriété. Cameron est toujours inscrit comme producteur sur le film à venir, avec Robert Rodriguez dans la chaise du réalisateur et Rosa Salazar (The Maze Runner : The Scorch Trials) dans le rôle d’Alita (le reste de la distribution comprend Christoph Waltz, Jackie Earle Haley, Jennifer Connelly, Mahershala Ali, et Ed Skrein).

Manga a été notoirement difficile à traduire dans les films américains (voir l’exemple du récent Ghost in the Shell), et bien que nous soyons intéressés de voir comment Alita est donné vie par les redoutables magiciens des effets de Cameron, celui-ci a un gros point d’interrogation.

L’Univers étendu DC a connu une année bipolaire en 2017. Alors que Wonder Woman est largement considéré comme l’un des meilleurs films de super-héros jamais réalisés, le slam dunk de Patty Jenkins et Gal Gadot a été suivi par le moins réussi de la Justice League. Mais vous vivez, vous apprenez, puis vous réessayez. Et d’après les apparences, Aquaman vient peut-être d’étudier attentivement les leçons de cette double tête, car le véhicule sous-marin Jason Momoa semble être autant sa propre bête autonome que Wonder Woman a été retiré de Batman v Superman.

 

Réalisé par James Wan (The Conjuring, Saw, Furious 7), Aquaman peut prouver que c’est mieux là où c’est plus humide, sous la mer. Espérons qu’Amber Heard aura aussi quelque chose à faire cette fois-ci, et peut-être Nicole Kidman, Willem Dafoe et Patrick Wilson aussi, tant qu’on y est !

Cheney

Christian Bale joue Dick Cheney. Permettez-moi de le répéter : Christian “I’m Batman” Bale joue les chauves, les droits civiques importants, ignorant le vice-président qui a défendu la torture. Oh, et c’est dirigé par Adam McKay, le barreur d’Anchorman qui a aussi mené Bale à une nomination aux Oscars dans The Big Short de 2015.

Promettant d’être l’antithèse du boilerplate biopic standard, ce combo est irrésistible. Tout comme le casting d’Amy Adams en tant qu’épouse de Cheney, Lynne, et Steve Carell en tant que Donald Rumsfeld et Sam Rockwell en tant que président George W. Bush.

Bien que lancer une comédie de Will Ferrell ici est toujours un risque, le fait qu’il reteaming avec John C. Reilly pour cette adaptation gonzo de la légende de Sherlock Holmes de Sir Arthur Conan Doyle est tout simplement trop irrésistible. Car à une époque où tout le monde et leur mère de radiodiffusion a une série télévisée ou une franchise de films de Sherlock Holmes sans droits d’auteur, en voici une qui réinvente vraiment la roue : et si Holmes (Ferrell) était un idiot qui s’attribuait tout le mérite de sa belle Watson (Reilly) ?

Honnêtement, après Step Brothers, nous ne pouvions pas éviter ce film, même si nous le voulions.

25 décembre

La refonte des suites tardives pour en faire des classiques bien-aimés est une entreprise difficile. Mais c’est aussi le métier quotidien de Disney, qui prendra absolument soin de poursuivre la narration du film préféré de Walt Disney. Avec Emily Blunt dans le rôle de la nounou enchantée, Mary Poppins Returns trouve le parapluie enthousiaste qui revisite les enfants de Banks après qu’ils soient adultes, et Michael (Ben Whishaw) fait face à une tragédie personnelle tout en élevant ses trois jeunes enfants.

Dans ce ciel couvert, Mary fera briller une lumière supercalifragilisticexpialidocious sur la famille, illuminant leur vie à l’époque de la dépression à Londres avec un peu d’aide de ses amis, dont Meryl Streep dans le rôle de Topsy et Lin-Manuel Miranda de Hamilton dans le rôle de Jack.

L’Irlandais TBA 2018

Nous sommes vraiment entrés dans un monde nouveau et courageux quand Martin Scorsese accepte de sortir son prochain film via Netflix. Et pourtant, nous y voilà, et évidemment The Irishman est l’un des projets les plus passionnants de 2018 de ce seul fait. Cependant, ce n’est pas n’importe quel type de film Scorsese : c’est un film policier avec son collaborateur Robert De Niro, disparu depuis longtemps. Les poulets rentrent à la maison pour se percher, et ils pourraient même trouver Jimmy Hoffa dans une boîte de conserve, parce que le film raconte l’histoire supposée vraie de Frank Sheeran (De Niro), un tueur à gages pour la mafia qui prétend avoir été celui qui a frappé le billet d’une équipe célèbre. Oh, et Hoffa est joué par Al Pacino dans son premier film Scorsese.

Si vous avez encore besoin d’être convaincu, la distribution comprend également Bobby Cannavale, Anna Paquin, Jack Huston et quelques personnes dont vous avez peut-être entendu parler : Harvey Keitel et Joe Pesci. Si les nouvelles étaient meilleures, vous pourriez m’accuser d’être un drôle de type.

Un Vigilante

Il y a quelque chose de fatigué dans le fantasme du justicier, qui est souvent masculin et oh, si bien que les Américains rêvent d’un individualisme sauvage qui exerce agressivement son droit d’agir avec puissance. Dans les années 1970, cela aurait pu ressembler à une fuite cynique de l’impuissance, mais aujourd’hui, cela ressemble souvent à une illusion à laquelle s’accrochent ceux qui refusent d’aider leurs semblables, hommes ou femmes. C’est pourquoi Sarah Daggar-Nickson et A Vigilante d’Olivia Wilde ont un tel punch subversif. Non seulement Daggar-Nickson, scénariste et réalisateur pour la première fois, réimagine une rêverie réductrice en une rêverie déchirante et féminine, mais elle le fait d’une manière qui se méfie de la violence, même en l’utilisant pour défaire le type de masculinité toxique qui s’est longtemps vautré dans toutes ces suites de vœux de mort.

En se fixant sur un tournant captivant et tout à fait féroce d’Olivia Wilde en tant que femme qui essaie de faire aux agresseurs en une seule visite ce qu’ils font à leurs femmes et enfants au cours d’une vie, il y a une douleur intime et une authenticité au film qui déflue intentionnellement toute tentative de sensations fortes. Au lieu de cela, il trouve quelque chose de plus brut et de plus difficile, surtout quand les membres commencent à craquer, et le fantasme de la vengeance cesse de se sentir si abstrait.

Laisser un commentaire