Les films sous-estimés de 2000

Le nouveau millénaire a apporté avec lui une gamme éclectique de films à succès. Le directeur de l’action de Hong Kong, John Woo, a réimaginé une franchise avec Mission : Impossible II, le film le plus rentable de l’année au box-office. Ridley Scott a connu l’un des plus grands succès critiques et financiers de sa carrière dans Gladiator, tandis que Robert Zemeckis a créé un drame mémorable avec Tom Hanks et un ballon via Cast Away.

Du point de vue de la bande dessinée, l’année 2000 a également été une année clé. X-Men n’a pas seulement établi une franchise de films à succès qui est toujours en cours, mais a également dirigé une vague d’adaptations de Marvel à gros budget qui ne montre aucun signe de ralentissement.

Comme toujours, nous avons voyagé bien au-delà de la liste des films les plus rentables pour dresser cette liste. Nous avons dû être assez brutal dans nos choix, de sorte que certains films dignes d’intérêt n’ont pas été retenus – si vous aimez l’animation japonaise, jetez un coup d’œil à Vampire Hunter D et Blood : Le dernier vampire, tandis que des films comme Frequency et The Road to El Dorado méritent également votre attention.

Quoi qu’il en soit, voici notre liste de 25 films sous-estimés de l’an 2000, une autre grande année pour le cinéma.

  1. Space Cowboys

Commençons par un solide succès de 2000, qui s’est infiltré un peu hors de la conscience du cinéma moderne. Nous n’allons pas défendre l’idée que les Space Cowboys sont un chef-d’œuvre oublié de Clint Eastwood, mais c’est très amusant. En fait, jusqu’à ce qu’il s’enlise à raconter l’histoire qu’il est en train de mettre en place dans le dernier tiers du film, c’est un film d’ensemble de science-fiction de qualité et léger.

Cette fois-ci, au lieu d’envoyer des jeunes, des astronautes convaincants, Bruce Willis et le lot dans l’espace, on envoie plutôt un groupe d’acteurs plus âgés. Nous avons donc Clint, Tommy Lee Jones, James Garner et Donald Sutherland, qui se moquent l’un de l’autre, et c’est clairement la raison principale pour laquelle il faut le regarder. La mise en scène d’Eastwood n’est pas difficile comme toujours, et cela signifie qu’il y a de l’espace pour apprécier les personnages et le dialogue crépitant entre eux.

Pas de classique, mais Space Cowboys reste très amusant.

  1. Gangster No. 1

Le directeur Paul McGuigan était l’homme responsable de la mise en scène des deux tiers des saisons 1 et 2 de Sherlock, y compris l’aventure d’ouverture. Son travail a été une sorte de révélation, mais il avait aussi été derrière la caméra sur quelques films impressionnants avant que les acclamations ne le rattrapent. Gangster No. 1 est donc une bête un peu froide, donnant à Paul Bettany un rôle de premier plan en tant que jeune prétendant prenant sous l’aile de Freddie Mays de David Thewlis. Malcolm McDowell et Eddie Marsan font également partie de la distribution, et le film lui-même est un film policier sombre et parfois amusant, porté par la force de ses performances et la mise en scène tendue de McGuigan.

Bettany en particulier est excellent ici, et bien qu’il y ait une ou deux petites querelles avec le film dans son ensemble, et bien qu’il ait été un peu surpassé par Sexy Beast-ce à quoi nous arrivons bientôt–Gangster No. 1 est un film vraiment sous-estimé.

  1. Rugrats à Paris

Beaucoup de films ont rendu hommage ou essayé de parodier Le Parrain. Mais regardez l’ouverture de Rugrats à Paris, et dites-nous que ce n’est pas l’une des plus réussies.

Le film lui-même est vraiment bon aussi. De loin supérieur au film original de Rugrats, Rugrats in Paris (à l’exception d’une chanson vers la fin) est un film d’animation vif et spirituel. L’émission de télévision sur laquelle il est basé a toujours eu plus dans le réservoir qu’il a été généralement donné crédit pour, aussi bien qu’un style d’animation intéressant. Mais ce film se tient aussi seul, avec des personnages forts, beaucoup de rires et une histoire beaucoup plus serrée que le premier.

  1. Timecode

Figgis fait tourner son film en temps réel, sans montage. Il divise également l’écran en quarts, de sorte que nous voyons quatre parties de l’histoire en même temps. Il y a des personnages qui ne font que voyager, ce qui signifie que vous vous concentrez sur un ou deux personnages à la fois. Mais il vaut toujours la peine de vérifier un petit détail qui se glisse dans l’un des cadres. Timecode n’est certainement pas un film à regarder à moitié, La technique de l’écran partagé fonctionne beaucoup mieux que ces mots le font probablement sonner, et c’est en fait étonnamment facile à suivre. C’est aussi passionnant, car Figgis réunit progressivement les quatre quarts.

Personne n’a vraiment pris le bâton de Figgis et l’a essayé depuis, mais Timecode prouve à tout le moins que la technique peut fonctionner, et fonctionne très bien.

  1. Faust

Brian Yuzna a participé à une gamme éclectique de films.  Il a produit le Re-Animateur anarchique. Il a écrit l’horreur perverse From Beyond (très vaguement adapté d’un conte de H.P. Lovecraft), avant d’écrire le film familial pittoresque et inattendu Honey, I Shrunk The Kids. Puis, pour prouver qu’il n’avait pas perdu son côté horreur, il a réalisé Society, l’un des films les plus subversifs et les plus mou des années 80.

Faust : Love of the Damned n’est pas le meilleur film avec lequel Yuzna ait jamais été impliqué, mais c’est tellement amusant et carrément étrange qu’il justifie à peu près une place sur cette liste. Après qu’un artiste vend son âme pour venger la mort de sa petite amie, il prend l’habitude inquiétante de se transformer en un énorme démon à cornes avec un désir incontrôlable de tuer. Tourné en Espagne avec un petit budget, Faust est animé par du gore fun et de l’humour noir, tandis que Jeffrey Combs joue un rôle inhabituellement macho en tant que flic sur la piste de l’enfer meurtrier.

  1. Garder la foi

Quand on a annoncé qu’Edward Norton faisait ses débuts de réalisateur, on aurait pu s’attendre à un drame sombre, ou quelque chose de ce genre. Garder la Foi est une surprise dans plus d’un sens. Tout d’abord, il voit Norton faire une comédie romantique. Deuxièmement, elle est très bonne. Troisièmement, pour une raison quelconque, il n’a jamais réalisé de film depuis.

Mais ne nous voilons pas la face : Garder la Foi est vraiment excellent. Le cœur de l’histoire est l’histoire d’un prêtre et d’un rabbin, qui tombent amoureux de la même femme. Jenna Elfman de Dharma et Greg joue l’objet de leur affection, Norton est le prêtre et Ben Stiller est le rabbin. Norton marque ensuite un intéressant cameo switch en persuadant Milos Forman de passer devant la caméra (et Anne Bancroft fait aussi partie du casting).

Il y a de l’humour, du charme et une volonté d’explorer le sujet de la religion d’une manière assez légère qui rend Keeping the Faith un peu plus ambitieux qu’il n’y paraît à l’extérieur. Jenna Elfman est remarquable ici aussi, mais c’est le film dans son ensemble qui l’emporte. Une des meilleures comédies romantiques de la décennie pour nous.

  1. George Washington

Pour certains, le nom du réalisateur David Gordon Green sera familier de son récent travail avec Danny McBride avec les comédies Pineapple Express et Your Highness, mais bien avant ces films, il écrivait et réalisait d’excellents drames vraiment sous-estimés, y compris celui-ci. Au sujet d’un groupe d’enfants profitant d’un long été chaud dans une région pauvre de la Caroline du Nord, George Washington est un drame mélancolique au rythme lent avec un soupçon de tragédie qui rappelle vaguement la nouvelle classique de Ray Bradbury, The Lake.

Green fait en sorte que la jeune distribution offre des performances remarquables et naturelles, et George Washington est l’un de ces minuscules films à peine distribués qui méritent d’être retrouvés.

  1. Salle des chaudières

Tout le monde a l’air jeune et inquiétant dans ce drame criminel de classe, ou est-ce que c’est juste nous qui vieillissons ? Giovanni Ribisi joue Seth, un courtier stagiaire qui est entraîné dans un monde de courtage boursier douteux. Ben Affleck joue le rôle d’un des cofondateurs de l’entreprise, qui promet de rendre ses employés riches en gonflant faussement la valeur des actions et en les vendant à des acheteurs peu avertis – une pratique commerciale qui suscite rapidement l’intérêt du FBI. Bien écrit et bien joué, Boiler Room est remarquablement bien vieilli et il est fascinant de voir Vin Diesel dans un rôle discret qui n’implique pas d’armes, de combats ou de voitures absurdement rapides.

  1. Goberge

Un projet passionnant pour Ed Harris, qui réalise aussi bien que pour les stars, Pollock a attiré l’attention des Oscars à juste titre, mais les cinéphiles n’ont pas fait beaucoup d’histoires. C’est une honte, car le récit de Harris sur le peintre expressionniste abstrait Jackson Pollock est captivant du début à la fin. L’engagement de l’acteur à jouer le rôle brille dans chaque scène, Harris créant lui-même ses propres versions des célèbres peintures au goutte-à-goutte de Pollock et apportant son propre charisme robuste à ce soi-disant artiste hors-la-loi. Marcia Gay Harden est aussi bonne que Lee Krasner, l’épouse et amie de Pollock, tandis que Val Kilmer est étonnamment retenue et maladroite en tant que peintre influent, Willem De Kooning.

Tourné en moins de huit semaines, Pollock a, comme le travail de l’artiste, une énergie grinçante qui en fait une montre fascinante du début à la fin.

  1. Ginger Snaps

Bien qu’il soit classé comme un film d’horreur sur les loups-garous, Ginger Snaps est bien plus que cela. Le processus graduel de transformation en quelque chose de poilu et de sanguinaire vécu par son héroïne Ginger (Katharine Isabelle, qui est brillante) devient une métaphore de la transition douloureuse de la jeunesse à l’âge adulte, et Ginger Snaps est inhabituel en ce qu’il est drôle, déconcertant et intelligent dans une mesure plus ou moins égale.

Le premier acte où Ginger et sa sœur s’adonnent à leur fascination morbide de la mort en prenant des photos d’eux-mêmes couverts de sang est parfaitement fait, et c’est l’insistance du film à obtenir des personnages et des dialogues absolument justes qui le distingue. Quand le sang commence à couler, la rondeur des personnages rend l’horreur d’autant plus inquiétante. Regardez également pour une grande performance de Mimi Rogers en tant que mère de Ginger.

  1. Wonder Boys

La production de Curtis Hanson dans les années 90 n’était pas à renifler, et des films comme The River Wild et Bad Influence méritent beaucoup plus d’attention qu’ils n’en ont généralement. L.A. Confidentiel lui a donné beaucoup plus d’exposition. Son premier film des années 2000 a été Wonder Boys, un film qui a laissé des gens froids lorsqu’ils l’ont essayé pour la première fois. Si c’était vous, pourrions-nous suggérer que celui-ci vaut la peine d’y retourner ?

Il met en vedette Michael Douglas, un homme qui se dérobe rarement à un rôle complexe, en tant que professeur d’anglais Grady Tripp. Le professeur se réconcilie avec sa femme qui le quitte. Mais il a aussi la pression d’une date limite pour les livres, l’étudiant de Tobey Maguire et une abondance d’autres complications que nous ne gâcherons pas ici. Le film de Hanson est une pièce sèche, axée sur les personnages, qui ne manque pas d’esprit. Et il s’enorgueillit également de l’une des meilleures performances à l’écran de Michael Douglas.

  1. Infirmière Betty

Il n’y a pas une très longue liste de films de Neil LaBute que vous qualifieriez nécessairement de massivement accessibles, mais c’est probablement le plus proche de ce que vous obtenez (bien que pour son meilleur travail à l’écran, jetez un coup d’œil à l’excellent Your Friends & Neighbors). Ici, il caste Renee Zellweger, et elle livre pleinement en tant que serveuse qui s’occupe du meurtre de son mari en essayant finalement de retrouver son acteur de feuilleton préféré (joué par Greg Kinnear).

Morgan Freeman co-stars comme un criminel sur la piste de Betty comme elle prend sur un voyage en voiture pour rencontrer son idole. Parce qu’à son insu, elle a quelque chose à lui dans la voiture. Ce n’est pas une comédie particulièrement large, et il y a un peu plus de profondeur qu’il n’y paraît à première vue. Comme point de départ pour les films de LaBute – le remake le mieux oublié de The Wicker Man mis à part – c’est un point de départ.

  1. Frère

Nous avons inclus un certain nombre de films de Takeshi Kitano dans ces listes, mais c’est simplement parce qu’ils sont toujours aussi bons. Brother était la tentative de Kitano de faire un film qui jouerait mieux pour un public américain, et comme son personnage Yamamoto, on a l’impression qu’il est un peu hors de sa profondeur ici. Mais si Brother n’est pas le meilleur film de Kitano, il vaut quand même la peine d’être regardé, car son gangster japonais de milieu de gamme se dirige vers Los Angeles pour une confrontation avec la Mafia.

La performance typiquement laconique et charismatique de Kitano est compensée par Omar Epps, qui joue le rôle d’un gangster afro-américain qui devient le partenaire improbable de Yamamoto et, éventuellement, un ami proche. Regarder le gang multiculturel de Yamamoto se développer progressivement est passionnant et, malgré toutes les effusions de sang, la conclusion est inattendue, chaude et émouvante. Kitano a dit qu’il n’était pas satisfait de la façon dont Brother a tourné, et a juré de ne plus jamais faire de film en dehors du Japon. Mais en tant que pièce unique inhabituelle dans une carrière extraordinaire de cinéaste et de comédien, Brother vaut la peine d’être recherché – si ce n’est rien d’autre, cela vous dissuadera d’utiliser des baguettes pour la vie.

  1. Uzumaki

Il y a eu une explosion d’intérêt pour l’horreur japonaise à la fin des années 90 et au début des années 2000, en grande partie grâce au grand succès de films comme Ring et Ju-on : La rancune. Uzumaki a semblé passer sans obtenir autant de couverture que les autres films, mais c’est probablement parce que c’est tellement excentrique. Elle se déroule dans une petite ville où les habitants deviennent étrangement obsédés par les apparences des spirales dans la nature, avant que certaines d’entre elles commencent à se transformer en escargots et à présenter d’autres curieux symptômes liés à la spirale.

Plus onirique qu’horrifiant, le réalisateur Higuchinsky réussit à créer une atmosphère alarmante et surréaliste qui s’apparente à un fantasme de Tim Burton devenu toxique. Les critiques semblaient assez divisés sur les mérites d’Uzumaki, et il est vrai que le film parle plus d’effets bizarres et de non suites visuelles que d’intrigue, mais cela fait partie de ce qui en fait une telle bizarrerie : c’est à la fois hypnotisant et, à la différence de tant de films d’horreur, souvent imprévisible.

  1. Le jeu des armes

Étant donné la qualité de Le jeu des armes, il semble vraiment dommage que Christopher McQuarrie-généralement connu pour ses scénarios au cours de sa carrière – n’ait pas réalisé de nouveau jusqu’à ce que Jack Reacher et la Mission : Des films impossibles. Ryan Phillippe et Benicio Del Toro titre le film comme une paire d’escrocs qui font le mauvais choix en kidnappant la mère porteuse à un homme très riche.

Avec une pointe du chapeau à l’œuvre de Sam Peckinpah, McQuarrie met alors sur pied un western moderne, avec un amour clair pour le genre. C’est un film violent, pas toujours prévisible, et qui a gagné un culte grandissant après avoir échoué à faire un atterrissage sur sa sortie originale. A juste titre aussi.

  1. Presque célèbre

Bien qu’il n’ait pas fait beaucoup de recettes-guichet, le drame Almost Famous de Cameron Crowe a été salué comme l’un des meilleurs films de l’année par certains critiques, et avec raison : c’est sans doute l’un des films les plus accomplis de Crowe. Patrick Fugit joue un jeune écrivain qui parvient à produire un article pour le magazine Rolling Stone après avoir été envoyé pour couvrir un concert de Black Sabbath par la revue rock Lester Royalty Bangs (Philip Seymour Hoffman).

Ce qui suit est un récit convaincant de la scène rock des années 70 (Crowe était lui-même journaliste musical avant de devenir cinéaste dans les années 80) et un drame chaleureux et drôle, alors que la couverture par l’écrivain de la tournée du groupe rock de milieu de gamme Stillwater mène à son amitié avec Penny Lane (Kate Hudson). Bien qu’il mette l’accent sur les aspects plus cools de la vie rock and roll dans les années 70, sa distribution est uniformément excellente, avec en particulier Billy Crudup en tant qu’humeur changeante, Jimmy Page-esque guitariste et Frances McDormand en tant que mère inquiétante de l’écrivain. Il réussit à être à la fois drôle et, vers la fin, inattendu et émouvant.

  1. Sexy Beast

Toute discussion sur le drame criminel du réalisateur Jonathan Glazer est dominée à juste titre par la performance exceptionnelle de Ben Kingsley dans le rôle du terrifiant criminel Don Logan, pour lequel il a été nommé Oscar l’année suivante. C’est le reste du film autour de lui qui est sous-estimé, car il sert de toile de fond à l’irrésistible fureur de Kingsley. Ray Winstone joue l’ex-taulard Gary Dove, qui veut juste une retraite tranquille en Espagne, tandis que Ian McShane joue le gangster qui organise un vol de banque avec lequel Dove refuse d’être impliqué. Déterminé à changer d’avis, Logan se présente à la villa espagnole de Dove avec à peine plus qu’une valise et une bouche pleine d’abus.

Plus récemment, Glazer est revenu avec Under The Skin, le thriller indie de science-fiction qui a fait l’objet d’excellentes critiques dans de nombreux festivals de cinéma il y a quelques années. Sexy Beast a été un grand début pour cet ancien réalisateur de publicités et de vidéoclips, et pour Ben Kingsley…. eh bien, c’est probablement la meilleure et la plus surprenante performance de sa longue carrière jusqu’à présent.

  1. Amores Perros

Que pensez-vous de ce début de réalisateur ? Alejandro González Iñárritu est peut-être passé à Babel et Birdman, mais il n’a jamais épousé un sujet de poids avec un film fort aussi bien que dans Amores Perros.

Traduit par’Love’s A Bitch’, c’est un film sur un accident de voiture qui colle trois histoires différentes et les nombreux thèmes qu’elles contiennent. Vendu comme une Pulp Fiction mexicaine, cela rend inévitablement un peu de mauvais service au film, car il s’agit d’un film différent essayant de faire des choses différentes. Il a également gagné une certaine controverse pour le contenu de combat de chien dans le film. C’est un peu plus difficile à éviter, car Iñárritu ne tire pas vraiment ses coups de poing proverbial n’importe où dans le film.

Tourné à Mexico et sans aucune tentative d’y mettre du lustre, Amores Perros est une pièce de cinéma merveilleusement tissée, dure et parfois brutale, et qui ne fait qu’ajouter à l’antipathique du prochain film d’Iñárritu.

  1. L’ombre du vampire

Un récit fantaisiste de la façon dont F.W. Murnau a réalisé le film d’horreur Nosferatu dans les années 20 en Tchécoslovaquie, Shadow of the Vampire suggère que l’acteur Max Schreck était vraiment une créature suceuse de sang de la nuit. Willem Dafoe est en pleine forme dans le rôle de Schreck, disparaissant sous son maquillage pâle de rat si parfaitement qu’il est facile d’oublier qui joue avec lui. Le film du réalisateur E. Elias Merhige est à la fois une observation comique des premiers films d’horreur et un film d’horreur très efficace en soi ; la reconstitution de la célèbre ” ombre sur les marches ” de Nosferatu est brillamment employée et recréée avec perfection physique par Dafoe.

Il y a aussi de grandes performances, de John Malkovich en tant que réalisateur imprudent, de Cary Elwes en tant que directeur de la photographie malheureux, et du puissant Udo Kier en tant que designer de production grincheux qui se méfie de plus en plus des habitudes d’évitement du soleil de Schreck.

  1. Titan A.E.

Confortablement l’un des films d’animation les moins appréciés des 20 dernières années, Titan A.E. s’est écrasé si fort au box-office qu’il a mis la 20th Century Fox hors de l’animation pendant un certain temps – au moins jusqu’à ce qu’il découvre Ice Age – et Don Bluth n’a pas réalisé un autre film depuis lors. Une vraie pitié aussi. Titan A.E. se situe à l’époque post-apocalyptique, et son style d’animation innovant voit le dessin à la main et le CG très bien mélangés. Mais au-delà du style, le film lui-même fonctionne. Il s’agit d’un film de science-fiction plein d’action dont l’action se déroule loin dans le futur, avec la survie de l’humanité en jeu. Ce n’est pas une histoire radicale, c’est vrai, mais au moins Titan A.E. en fait quelque chose et l’enroule dans une attraction, vraiment très bonne, grande et divertissante.

Joss Whedon est l’un des auteurs crédités de ce film, et c’est un film tellement oublié qu’une sortie Blu-ray – qui lui serait sûrement massivement bénéfique – n’est nulle part en vue. Dommage aussi, car Titan A.E. mérite encore un sort bien meilleur. C’est un film à succès aussi excitant que n’importe quel film sorti en 2000.

  1. Meilleur de l’exposition

Les meilleures comédies sont souvent issues des situations les plus improbables et le scénariste-réalisateur Christopher Guest trouve un véritable sens de l’humour dans le monde des expositions canines de compétition. En grande partie improvisé et tourné dans un style documentaire rapide, Best in Show est un monde à l’écart des comédies hollywoodiennes brillantes, mais cela fait partie du charme irrésistible du film.

Guest suit un groupe disparate de personnes de toute l’Amérique alors qu’elles se rassemblent pour le Mayflower Kennel Club Dog Show à Philadelphie, et des scènes entières sont consacrées aux excentricités des compétiteurs. Guest joue l’un des personnages lui-même, le propriétaire Harlan Pepper, qui nous parle de sa capacité enfantine à nommer toutes les variétés de noix, au grand dam de sa mère. Best in Show est plein de scènes bizarres et très bizarres comme celle-ci, et tout s’accumule progressivement jusqu’à la compétition où Fred Willard vole tout le film en tant que commentateur incompréhensible. Avec Eugene Levy, Catherine O’Hara, Parker Posey et Jennifer Coolidge au sein de l’ensemble, Best in Show est une comédie classique qui mérite d’être redécouverte.

  1. Chopper

Eric Bana est brillant dans ce drame australien sur Mark’Chopper’ Read, basé sur le livre de l’ancien détenu sur ses propres expériences. Un Bana gonflé joue Chopper, un homme troublé qui est à peine sorti de prison depuis son adolescence. Dur et indéfectible dans son récit d’un criminel dont les pires tendances sont perpétuées par le système carcéral, Chopper n’est pas un film facile à regarder, mais ses performances et sa mise en scène en font une expérience enrichissante.

Le réalisateur Andrew Dominik (qui a également écrit le scénario de Chopper) fait rarement des films, mais quand il le fait, ce sont de véritables explosions d’énergie. L’assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford est apparu en 2007, tandis que Killing Them Softly a suivi cinq ans plus tard. Les deux sont excellents, mais son premier Chopper est également accompli.

  1. American Psycho

Il s’est avéré que Mary Harron, réalisatrice et coscénariste, était plus qu’à la hauteur de la tâche. Nécessairement tempérant certaines des scènes les plus graphiques du livre, elle permet à la satire et à la comédie noire de venir au premier plan – et le résultat est, parfois, hurlant de drôlerie. Christian Bale est parfait dans le rôle de Patrick Bateman, le banquier d’affaires dans la vingtaine qui vit comme un roi dans Manhattan des années 80. En même temps, cependant, il explore un projet secondaire secret en tant que tueur en série aveugle.

Ce qui est génial dans la performance de Bale et dans le film dans son ensemble, c’est la façon dont il expose le lâche pathétique qui se cache sous le masque respectable de Bateman. Tant de films de tueurs en série dépeignent leurs tueurs comme des êtres mystérieux, mais Bateman n’est qu’un bouffon narcissique, clignant de l’œil à son propre reflet pendant l’acte sexuel et transpirant sur le design supérieur des cartes de visite de ses collègues.

En tant qu’exploration de la cupidité financière portée à son extrême absurde et sanglante, American Psycho est un grand instantané des années 80 et contient aussi des thèmes qui sont toujours d’actualité. La capacité de Bale à dépeindre de riches playboys avec un côté sombre a sans doute contribué à son casting en tant que Bat quelques années plus tard, mais American Psycho expose également la capacité de l’acteur pour la comédie – un talent qu’il a rarement exploré depuis.

  1. Treize jours

Coupable comme inculpé : le Den of Geek officiel Kevin Costner love-in continue. Mais bon sang : regardez Treize jours, un film qui n’a pris que 66 millions de dollars au box-office mondial sur un budget de 80 millions de dollars, et dites-nous qu’il ne méritait pas beaucoup, beaucoup plus. Nous avons loué Costner à plusieurs reprises pour la bravoure et l’audace dans ses choix de films, et ses retrouvailles avec Roger Donaldson, son réalisateur de No Way Out, est un portrait tendu et saisissant de la crise des missiles de Cuba et du monde au bord de la guerre.

C’est un film rempli de personnages peints en gris, et Costner incarne Kenny O’Donnell, qui a travaillé avec John F. Kennedy (joué par Bruce Greenwood) pendant la crise. Il y a des libertés prises avec l’histoire, pour lesquelles le film a été critiqué par la suite. Il faut peut-être s’y attendre dans une certaine mesure, mais il faut le reconnaître. Malgré cela, comme point de départ d’une histoire qui a failli mettre le monde à genoux, Treize jours est à la fois un excellent cinéma et une véritable motivation pour aller en savoir plus.

“Vous ne croirez jamais à quel point nous avons été proches”, lit le titre d’appel. Même en connaissant la fin éventuelle, Treize jours nous a absolument saisi du début à la fin sur grand écran. Trouvez-nous un meilleur thriller politique hollywoodien dans les années 2000, et nous vous serrerons chaudement la main.

Attendez-vous, inévitablement, plus d’amour Costner quand nous arrivons à Open Range…..

  1. Battle Royale

Battle Royale, aujourd’hui considéré comme un classique culte, peut-il vraiment être qualifié de sous-estimé ? Étant donné que ce n’était pas un succès financier à l’extérieur du Japon et que le grand public américain n’a pu l’apprécier que 11 ans après sa création nous suggère que si Battle Royale a effectivement un public fidèle, il mérite d’être vu par encore plus de gens.

Dans un avenir proche où les écoliers sont forcés de se battre jusqu’à la mort sur une île éloignée, la violence effrayante de Battle Royale est supervisée par l’omniprésent Takeshi Kitano, qui joue un enseignant brutal et impitoyable. Le réalisateur Kinji Fukusaku adapte habilement le roman source de Koushun Takami, faisant de chaque membre de l’ensemble un personnage mémorable et distinct tout en veillant à ce que le sentiment de tension ne disparaisse jamais.

Ce qui est le plus remarquable dans Battle Royale n’est pas sa violence saisissante (qui était extrêmement controversée au Japon à l’époque), mais l’humanité que Fukusaku trouve dans tout cela. Le réalisateur montre un sentiment incroyablement jeune de colère et d’indignation anti-établissement dans Battle Royale, ce qui est compensé par l’innocence et la chaleur des personnages dans le chaos.

C’est l’équilibre entre la satire sanglante et la profondeur humaine qui fait de Battle Royale un film agressif, un coup de poing dans le ventre. Parfois décrit comme le Japonais A Clockwork Orange, le film n’a rien perdu de sa puissance depuis sa sortie il y a près de deux décennies.

 

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