L’histoire du cinéma

L’histoire du cinéma en tant que spectacle a commencé à Paris, en France, le 28 décembre 1895. Depuis lors, le cinéma a subi une série de changements de plusieurs façons. D’une part, la technologie de la cinématographie a beaucoup évolué, depuis ses débuts avec les films muets des frères Lumière jusqu’au cinéma numérique du XXIe siècle. D’autre part, le langage du cinéma a évolué, y compris les conventions du genre, et différents genres de films ont émergé. Troisièmement, le cinéma a évolué avec la société, avec laquelle différents mouvements cinématographiques se sont développés.

Les premiers pas du cinéma : la création du cinématographe

L’idée de capturer, créer et reproduire le mouvement par des moyens mécaniques est très ancienne, il y avait des antécédents comme la camera obscura, ou le thaumatrope, la lanterne magique, le fusil photographique. La technique de capture de la réalité par des moyens lumineux avait déjà été développée par les inventeurs du daguerréotype et de la photographie au milieu du XIXe siècle.

Thomas Alva Edison, inventeur de la lampe à incandescence et du phonographe, était également très proche de l’invention du cinéma, en brevetant le kinétoscope créé dans son laboratoire par William Dickson, qui ne permettait cependant que des fonctions très limitées.

S’en inspirer et s’intégrer à diverses inventions et découvertes de l’époque, comme le rouleau photo d’Eastman. Les frères Lumière, fils du photographe Antoine Lumière, ont créé le cinématographe : ce dispositif qu’ils ont développé permettait la prise, la projection et même la copie d’images en mouvement.

La première présentation a eu lieu le 28 décembre 1895, à Paris, et consistait en une série d’images documentaires, dont on se souvient de celle où apparaissent les ouvriers d’une usine (propriété de Lumière lui-même) et celle d’un train (dans la gare de La Ciotat) qui semblait se précipiter sur les spectateurs, avant que ces images ne réagissent avec une peur instinctive, croyant que le train les écraserait. La fonction des premiers “films” était en grande partie documentaire, avec l’ajout du mouvement. Quelque temps plus tard, ils ont réalisé le premier film d’intrigue de l’histoire.

Le cinéma une attraction mineure

Pendant un certain temps, le cinéma a été considéré comme une attraction mineure, voire un bon nombre, mais le coup d’envoi initial pour faire des histoires et expérimenter avec des ressources narratives visuelles a été quand Alice Guy, une illusionniste, a d’abord utilisé le directeur de la photographie comme élément de ses spectacles, puis les a développés en un cinéma, créant des effets spéciaux rudimentaires – mais efficaces. Les cinéastes novices ont saisi les grandes possibilités qu’offrait l’invention et c’est au cours de la première décennie du XXe siècle que de multiples petits studios de cinéma sont apparus, tant aux États-Unis qu’en Europe. A l’époque, les films ne duraient que quelques minutes, ils traitaient de sujets plus ou moins simples et, tant en termes de décors que de costumes, ils étaient relativement bon marché à produire. De plus, la technique n’avait pas résolu le problème du son, de sorte que les fonctions étaient accompagnées d’un piano et d’un haut-parleur (voir film muet). Mais à cette époque, presque tous les genres du cinéma sont nés (science-fiction, historique ou période) ; le genre absent était, bien sûr, la comédie musicale, qui devrait attendre l’apparition du cinéma sonore. C’est également à cette époque que les premiers jugements ont été rendus sur le droit d’auteur des adaptations de romans et de pièces de théâtre au cinéma, ce qui a finalement conduit à la création de franchises cinématographiques basées sur des personnages ou des sagas.

Discussion sur la perception du mouvement apparent

La théorie selon laquelle nous pouvons percevoir un mouvement apparent à partir d’une succession de photographies fixes qui sont logées dans notre rétine (voir Persistance de la vision) n’a pas été bien prise comme vraie et concrète au début du cinéma, et plusieurs théories de la perception découvertes au début de l’école Gestalt et plus tard des théories liées à la psychologie de la perception contredisent cette théorie. Selon Max Wertheimer, il y a plusieurs effets qui peuvent produire l’apparence du mouvement. La propagation de la théorie de la persistance rétinienne comme seule explication du fonctionnement du cinéma est une erreur démontrée par Miguel Ángel Martín Pascual.  Selon son article, le mouvement apparent ne se produit pas directement dans l’œil, mais dans un processus rapide et complexe qui se produit entre la perception visuelle directe, la mémoire et la capacité d’interpréter l’image.

D’autres pionniers de l’histoire du cinéma

Outre Edison, les frères Lumière et Méliès, il y avait d’autres pionniers dans l’histoire du cinéma comme :

  • Charles Pathé : Prenant comme référence le cinéaste des frères Lumière, ainsi que le kinétoscope d’Edison, il réalise un appareil photo tomavistas avec lequel il commence ses productions. Ses expériences consistaient dans le désir de combiner le phonographe avec le cinématographe, mais les résultats étaient de mauvaise qualité et il n’a pas réussi. Plus tard, Pathé s’est impliqué dans le domaine de la réalisation de films, se dissociant ainsi des aspects artistiques et créatifs, étant en charge d’employés tels que Ferdinand Zecca. Pathé Frères serait la première entreprise à intégrer les trois principales branches qui divisent l’industrie cinématographique : la production, la distribution et l’exploitation.
  • Ferdinand Zecca : Il s’est développé au sein de la société Pathé avec une activité cinématographique très diversifiée en tant qu’acteur, scénariste, réalisateur et décorateur. Zecca aborde le cinéma fantastique, bien qu’introduisant une tendance réaliste, son langage cinématographique devient agile, ses plans cinématographiques ne sont plus des plans généraux mais il commence à utiliser des plans cinématographiques plus proches. En 1913, Zecca quitte la production cinématographique pour rejoindre les services administratifs et commerciaux et diriger la construction des studios Pathé à Berlin et Jersey City.
  • Brighton School : un groupe de photographes qui ont utilisé des caméras vidéo pour expérimenter. Ils découvrent la fragmentation de l’histoire et un peu plus tard, ils découvrent la fragmentation de la scène cinématographique, ce que l’on appelle le “principe du montage”. Ils découvrent aussi la variété des points de vue dans la même action. Ils sont les premiers à filmer une chasse à trois coups (voleur de fruits). Leurs productions deviennent plus commerciales.
  • Edwin S. Porter : Sa préoccupation et sa performance était de raconter un film mieux conçu, avec plus de scénarios. Son intention était de créer une histoire qui s’expliquerait d’elle-même, car les films étaient jusqu’à présent accompagnés d’un conteur. Découvrez le montage parallèle, le montage simultané et faites d’autres tentatives de montage. Les bases du cinéma d’action sont posées. Porter offre au public un nouveau monde de relations : physique et psychologique.
  • Léon Gaumont : Il s’intéressait aux aspects techniques mécaniques du cinéma. Il a d’abord été fabricant et vendeur d’équipement cinématographique, puis il s’est concentré sur la production cinématographique. Sa secrétaire, Alice Guy, commence avec cette production en 1898, lorsqu’elle démissionne, Gaumont engage Louis Feuillade.
  • Alice Guy : D’abord secrétaire de Léon Gaumont, après quelques années, Guy a écrit des scénarios et réalisé des films pour la société Gaumont. En 1896, il présente son premier film narratif, La Fée des choux, dans lequel il combine des images en mouvement avec l’art théâtral. Après quelques années, en 1906, il tourne La vie du Christ (avec le chronophone). Après avoir vécu dans le New Jersey, il a construit l’un des studios de cinéma les mieux équipés de l’histoire. Elle est considérée comme la première narratrice de cinéma, ainsi que la fondatrice du cinéma en tant que récit culturel. Elle a été la première à teindre ses films pour les montrer en couleur. Elle a également été une pionnière dans l’utilisation des techniques de masque à double expression et des séquences vers l’arrière. Il revient en France en 1922.
  • Louis Feuillade : Elle a d’abord travaillé dans les studios de Gaumont en tant qu’assistante d’Alice Guy, puis, lorsqu’elle prend sa retraite, elle devient directrice de production de l’entreprise. Feuillade a été reconnu pour ses films d’épisodes et sa série de films. Il a également abordé des thèmes enfantins et réalistes, évitant la fantaisie en représentant les choses et les gens tels qu’ils sont. Feuillade atteint la célébrité en dirigeant un groupe de séries axées sur les criminels, ce qui permet une distinction absolue entre le bien et le mal. Sa période de plus grande créativité coïncidait avec les années de la Première Guerre mondiale, lorsque le public a montré le plus grand intérêt pour le genre.

Hollywood et le cinéma

Aux États-Unis, le cinéma a connu un succès retentissant, en raison d’une circonstance sociale particulière : comme c’était un pays d’immigrants, dont beaucoup ne parlaient pas anglais, le théâtre, la presse ou les livres leur étaient fermés à cause de la barrière de la langue, et le cinéma muet est devenu une source de divertissement très importante pour eux.

En regardant les perspectives de cette entreprise, et sur la base de son brevet sur le kinétoscope, Thomas Edison a tenté de prendre le contrôle des droits d’exploitation du cinématographe. Non seulement l’affaire a été jugée, l’affaire Edison contre les soi-disant producteurs indépendants, mais elle a même été remise en question. En conséquence, les producteurs indépendants ont migré de New York et de la côte est, où Edison était important, vers l’ouest récemment pacifié. Dans une petite ville appelée Hollywood, ils ont trouvé des conditions idéales pour filmer : des journées ensoleillées presque toute l’année, une multitude de paysages qui pourraient servir de lieux, et la proximité de la frontière mexicaine, s’ils devaient échapper à la justice. Ainsi est né la soi-disant Mecque du cinéma, et Hollywood est devenu le centre cinématographique le plus important du monde.

Tous les grands studios à Hollywood

La plupart des studios sont allés à Hollywood (Fox, Universal, Paramount) contrôlé par (Darryl F. Zanuck, Samuel Bronston, Samuel Goldwyn, etc.), et considéraient le directeur de la photographie plus comme une entreprise que comme un art. Ils se sont battus durement, et parfois, pour mieux rivaliser, ils ont fusionné : 20th Century Fox (de l’ancien Fox) et Metro-Goldwyn-Mayer (une union des studios de Samuel Goldwyn avec Louis B. Mayer) sont nés. Ainsi, ils ont non seulement financé les films, mais aussi contrôlé les médias de distribution, à travers des chaînes de cinémas qui n’étaient destinés qu’à montrer leurs propres films. Ils ont aussi engagé des metteurs en scène et des acteurs comme s’ils étaient de simples employés rémunérés, dans le cadre de contrats à part du lion ; il était même de pratique courante de se prêter les uns aux autres des réalisateurs et des acteurs, en passant, sans qu’aucun d’entre eux n’ait rien à dire à ce sujet, liés par leurs contrats. Cela a marqué l’apparition du star-système, le star-système, dans lequel les stars du cinéma étaient promues en série, comme n’importe quel autre produit commercial. Seul Charles Chaplin, Douglas Fairbanks et Mary Pickford se sont rebellés contre cela, en raison de leur grand succès commercial, et le seul moyen qu’ils ont trouvé était de créer un nouveau studio pour eux-mêmes : United Artists.

Cinéma muet

Pendant les 30 premières années, les films étaient complètement silencieux, et on parle souvent de films muets, silencieux ou silencieux, et ce n’est pas tout à fait exact, bien qu’il soit vrai que les projections ne pouvaient pas avoir de son par elles-mêmes mais montraient des images en mouvement sans aucun son. Mais les projections dans les salles étaient accompagnées par la musique jouée par un pianiste ou un petit orchestre et également commentée par la voix d’un clarificateur, figure essentielle qui permettait à des foules illettrées ou des immigrés qui ne connaissaient pas la langue de comprendre le film…..

Films de propagande politique

En période de grands affrontements politiques et militaires, le cinéma a été utilisé comme un puissant outil de propagation des idéologies et des propositions d’action. Tout au long du XXe siècle, les régimes totalitaires ont fait un grand usage des techniques de montage et de cinéma à des fins de propagande. Ainsi, l’Union soviétique a promu un type de cinéma qui mettait l’accent sur le pouvoir du peuple en tant qu’image digne et autonomisante de la patrie soviétique. Plusieurs productions ont été faites sur la Révolution de 1917 et contre l’ancienne bourgeoisie tsariste. Également contre les invasions allemandes pendant la Seconde Guerre mondiale (par exemple Alexander Nevsky par Sergey Eisenstein). En Italie, le régime fasciste de Mussolini a ordonné aux studios Cinecittà de créer une série de films somptueux, dans la tradition du colossal italien des années 1910, qui servirait à exalter l’ancienne grandeur romaine dont Mussolini se sentait héritier ; le plus fidèle représentant de ce cinéma fasciste est probablement le Scipio l’Africain, tourné en 1937. En Allemagne, bien qu’il n’y ait pas un contrôle fort sur le cinéma, de nombreux documentaires ont été tournés pour louer les nazis, comme The Triumph of the Will ; plusieurs cinéastes antigouvernementaux, comme Fritz Lang, pour leur part, ont préféré s’exiler.

Cinéma couleur

Auparavant, on croyait qu’en 1909, au Palace-Varieté Theatre de Londres, les films en couleurs étaient projetés pour la première fois (le problème principal était que la technique créée par George Smith (cinemacolor) n’utilisait que deux couleurs : le vert et le rouge – qui étaient mélangés ensemble de manière additive). Mais en fait, c’est en 1901 que le premier film couleur de l’histoire a été créé. Sans titre, il a été réalisé par le photographe Edward Turner et son mécène Frederick Marshall Lee. La façon dont ils l’ont fait était de filmer les scènes en noir et blanc, puis d’ajouter des filtres verts, rouges et bleus. Enfin, il a été créé en combinant les séquences originales et les filtres dans un projecteur spécial.

Plus tard, en 1916, la technicolor (procédure trichromatique (vert, rouge, bleu) est arrivée. Son utilisation nécessitait une triple impression photographique, l’incorporation de filtres chromatiques et d’appareils photo de dimensions énormes). La première pièce audiovisuelle entièrement réalisée avec cette technique est le court métrage de Walt Disney “Des arbres et des fleurs”, réalisé par Burt Gillett en 1932. Cependant, le premier long métrage réalisé à l’aide de cette technique sera The Vanity Fair de Rouben Mamoulian (1935). Plus tard, la technicolor s’est répandue dans le domaine musical, comme “Le Magicien D’Oz” ou “Chantons sous la pluie”, dans des films de l’époque comme “Les Aventures de Robin des Bois” ou en animation, “Blanche Neige et les Septs Nains”.

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